Cumbe, por Marcelo D'Salete

Na livraria, uma revista em quadrinhos me chama atenção. Estava com Persépolis na mão, decido a ir embora com somente a HQ de Marjane Satrapi, até que vi, em cima de uma pilha de outras quadrinhos, uma revista amarelada com nome Cumbe em destaque. Fiquei em dúvida se comprava. Não pela qualidade do desenho, abri e achei muito bom, mas sim pelo tema e como a história seria tratada principalmente. Procurei pelo autor, referencias básicas e fui na biografia usada para pesquisa da temática da história. Um alívio: ele não usou nem Gilberto Freyre nem João José Reis. Sorri “aliviado”. Ok. vou comprar. Comprei!

Cumbe, de Marcelo D’Salete, conta basicamente a história de negros escravizados que lutam pela liberdade. Sem o clichê dos abolicionistas brancos bonzinhos, nem os senhores bem feitores. Aliás, em Cumbe, assim como no filme 12 Anos de Escravidão, não existe lugar para brancos bons no período colonial! A faceta não muito explorada atualmente no Brasil aqui é colocada com ferocidade. Quem está em primeiro plano são os negros que lutam de todas as formas pela liberdade, nem que ela venha através da morte.

Cumbe é dramática, forte, (muito) violenta e estilosa!  A HQ chama atenção em vários sentidos. Primeiro pela carga dramática de seus desenhos, da forma como enquadra as imagens, de repetir o mesmo quadro para ressaltar pontos diferentes. Na mesma figura perspectivas opostas sobre a situação, ou os sentimentos dos personagens. A forma como a pesquisa histórica é jogada em forma de roteiro é aprimoradíssima. O silencio também é uma característica forte da obra, realçando o suspense, a tensão das invasões, as reações na calada da noite, os segredos, tudo feito e ressaltado com um traço forte, que arrisca e acerta.

Todo em preto e branco, o traço de Marcelo nunca se perde, preenchendo momentos chave da trama com uma dessas cores quase que total à página. Lindo de ver. Além disso, o material da HQ é bastante aprimorado. São 175 páginas distribuídas em um papel de excelente qualidade, com direito a glossário e índice de referencias no final da história. O projeto da HQ foi feito com apoio do Governo do Estado de São Paulo através da Secretaria da Cultura e do Proac 2013.

Devorei o conteúdo em um dia. De quadrinho em quadrinho ia ficando tenso e curioso ao mesmo tempo. Cumbe merece destaque tanto por divertir como informar sobre o tema escravidão no Brasil de forma diferente. Personagens negros protagonistas, não só da trama, como da história e também no sentido de sua personificação... um personagem sujeito, não apenas objeto...

O autor, desenhista Marcelo D'Salete

A minha edição rsrs

Páginas abertas revelam o traço forte

Os Senhores do Orum, por Nisso Souza

Toda religião tem seus mitos. Sem eles, ela não sobreviveriam. Como mitos, são carregados no fantástico e por estarem no patamar do extraordinário sobrevivem a tantas mudanças de tempo, civilizações, revoluções... Estão lá para explicar o distante, o inacreditável. No Candomblé, religião de raiz africana, os mitos como todas as outras religiões são múltiplos. Mas cada Orixá possui versões diferentes a depender da nação, do lugar onde esteja sendo cultuado, do tempo, da missão dele no momento... Mitos/ lendas servem para arrumar esses serem enérgicos dentro da nossa cabeça, ainda pequena para tanto poder.

E o design Nisso Souza escolhe mais uma história contada para propagar os Orixás como tema de sua HQ virtual Os Senhores do Orum. Nisso colocou as mãos na massa e assina roteiro, desenhos, arte final e cor, ou seja carrega nas costas a responsabilidade de contar uma das muitas histórias dos deuses africanos. Nesse primeiro volume (em projeto com total de 3), Nanã é escolhida para ser a personagem chave da trama.

No primeiro capítulo, Ogum chega a terra da senhora das águas plácidas para invadi-la, como fez com tantas outras o Orixá guerreiro. Nessa primeira parte a revista se desenvolve através do confronto entre Ogum e Nanã protegendo sua terra. Logo no primeiro capítulo, um artifício inteligente do artista e muito simples também é evidenciado, a arte da HQ é toda em preto e branco, mas nos momentos chave de personagens ou histórias, a página fica colorida (sim, isso já foi usado, até em filme... O Mágico de Oz...), mas a forma como o artista faz, escolhendo os momentos chave da trama, torna a experiência bastante agradável. Nem sempre o momento de balanço na história é escolhido como momento para destaque, vemos a sensibilidade do artista que escolhe partes diferentes do esperado como “pontos chave”

No segundo capítulo, Ewa, a filha de Nanã, descobre que os homens de seu reino matam para desposa-la e como Xangô aparece em seu caminho para acabar com seu sofrimento. Iansã, a quem Xangô não consegue escapar, entra no terceiro e último capítulo, sendo o grande “empecilho” entre o amor de Ewa e o deus da justiça. O ultimo capítulo mostra o sacrifício de Ewa para o bem de todos no seu reino. É bom você mesmo descobrir as reviravoltas da história, caro leitor. Afinal de contas, contar tudo estraga a experiência.

Os Senhores de Orum tem um traço simples. Quadrinho algum aqui tem rebuscamento exagerado. O traço é direto e preciso. Mas muito caprichado quando a história requer erotismo. Aliás, o erotismo é um ponto forte quando o Candomblé é retratado por artistas de diversas áreas... Aqui não é diferente. E é um fator clichê na história. Somos cercados por uma cultura cristã e vemos no Candomblé outro sentido para todo o moralismo da Igreja Católica e Evangélica... Alguns artistas tomam cuidados, outros exageram na mão. Nisso fica no meio termo. Se exagera no começo – a cena do estupro de Nanã – acerta o tom precisamente no momento em que Ewa conhece Xangô. O texto, no começo é grandiloquente, faltou humanidade para retratar Nanã e Ogum, mas com o passar das páginas o roteiro fica mais fluido e o texto mais solto, não deixando de ser simples e direto como o traço da revista.

Para perpetuação de uma crença, da fé, do divino de um povo é preciso sim a assimilação das lendas dessa fé em outros meios além dos tradicionais. O cristianismo, não é de hoje, usou o cinema, o teatro, livros e também os HQ para reverberar suas ideias e seus ensinamentos. Apesar de essa ser mais uma lenda em meio a tantas no Candomblé, a história é bem contada por Nisso, é gostosa de ler e surpreende em alguns pontos. Que venha a segunda e a terceira parte das historias africanas escolhidas, pois o resultado da primeira anima.

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A Comida de Nzinga, por Rita Assemany

Fotos: Cleiton Lima

Assisti pela primeira vez A Comida de Nzinga na sua primeira temporada. No antigo Teatro XVIII, junto ao renascimento do Teatro Negro em Salvador. A peça me chamou atenção por vários motivos. Primeiro pelo conteúdo, tratando de uma rainha africana com influencia direta aqui no Brasil. Segundo pelo elenco jovem e vigoroso. Terceiro por ser uma peça onde o coro NÃO é feito para enfeitar, ou mais um personagem da peça, o coro É a peça. Quarto por a peça visualmente ser linda e simples. E quinto e último... A cena das batalhas feitas em sapateado. Tive vontade na época de gritar... e gritei no teatro! Era fantástico ver tudo.

A peça revolucionou pelo seu conteúdo e por ser um projeto com atores jovens que falava para todos. Era uma peça sobre o passado, de forma jovem, distribuindo grande energia pelo palco.

Sete anos depois, Nzinga retorna com reformulação do elenco e parte da equipe técnica. Passando pelos teatros da cidade em uma turnê que fez os 4 cantos de Salvador ver a história da Rainha do Ndongo. Estão lá o texto de Aninha Franco e Marcos Dias, que mescla o tom histórico com sua visão atual dos dilemas da mulher e também sobre racismo. A direção de Rita Assemany que mantém os dois personagens principais da peça (Nzinga e o Coro) unidos e fortes. A voz de Virginia Rodrigues em off belíssima como sempre. As coreógrafas Cibele Brandão (sapateado) e Ceiça do Amor Divino (preparação corporal e coreografias) que executam novamente um ótimo trabalho. O fabuloso e colorido figurino de Miguel Carvalho e o cenário de Hamilton Alves simples e com impacto impressionante. E é claro Clara Paixão que retorna ao papel título do espetáculo com força e brilho que a personagem precisa. Até quando sorri o movimento é carregado de força!

A reformulação total efetiva desta nova montagem é o coro da peça. Feito por jovens atores, mas quem acompanha a cena teatral de Salvador, já viu cada um deles em outras montagens. Ou seja, são jovens, mas experiência eles tem. Alguns, vasta experiência! Raimundo Moura Leo Santis (Gaiola O Caçador de Solidão), Guilherme Silva (Breve), Bruno Roma (Mar Morto), Daniele Anatólio (Ponto Negro em Tela Branca), Diogo Teixeira (Casulo), Fernanda Silva (Conspiração dos Alfaiates), Josi Acosta (A Conferencia), Kadu Fragoso (Engenho K), Pedro Albuquerque (Domingo No Parque), Miriam Sampaio (Opera do Malandro) e Nadja Occioly carregam o espetáculo narrando com maestria a história da grande rainha.

A experiência de ver A Comida de Nzinga no Espaço Cultural Barroquinha também deve ser ressaltada. O lugar é incrível para o espetáculo, por mais que o cenário pareça compresso no palco pequeno do teatro, a forma do espaço cultural, que é dentro do que foi as ruinas de uma igreja, acrescenta e muito o clima do texto. Principalmente quando Nzinga se “torna portuguesa” e católica. O impacto da história da igreja construída por negros escravizados e uma rainha africana “tornando-se” branca é muito forte. Fora que o espaço restaurado contribui e muito para a cenografia.

Escrito por Aninha Franco e Marcos Dias, o texto de A Comida de Nzinga é ágil. Mistura muito bem as referencias africanas e a baianidade nossa de cada dia em um só lugar. Os autores sabem que a diferença entre África e Bahia é quase nula e que a gente vista lá não é diferente do povo daqui. Apesar disso, o texto escorrega em um ponto: a forma como fala sobre a escravidão de negro para negro. De africano para africano.

Nzinga foi rainha de uma civilização grandiosa, toda civilização grandiosa antiga utilizou da escravidão. O problema é justamente o porque. Em um tempo onde AINDA se discute muito a “contradição” de negros que escravizaram outros negros, os autores, perderam oportunidade enorme de discutir isso pela primeira vez no teatro baiano de forma aprofundada. Digo isso, pois o texto é cheio de correlações entre a visão do passado “pelo passado” e a visão do mesmo por nós que estamos no presente.

Kia Mbandi é citado no texto pois “se aliou aos muzundu português pra trocar seus escravos por cachaça e fumos brasileiros” (Cena 8). Não é explicado no texto o por que isso. Por que um negro dava seu povo negro para outro fazer de escravo? Estamos falando de um texto em que, muito mais que se viva a situação, as personagens narram as histórias. Por que não responder essa pergunta de forma contundente, como o texto responde varias incógnitas na vida da Rainha? Porque foi uma escolha dos autores ué! Mas perderam uma oportunidade única de responder questionamentos como: Por que um negro escravizou outro negro? Por que eles entregavam o povo negro para o povo branco europeu? A escravidão africana compartilhava da mesma ideologia da europeia? Quais as diferenças? De africano para africano existia a coisificação do ser humano como na escravidão europeia?... Nzinga chama o irmão de fraco, logo depois ele não aguenta a força portuguesa indo pedir ajuda a ela e em seguida é relatado que ele ainda escraviza seus irmãos. As intenções dos personagens são históricas e pouco exploradas pelo texto. Fora que ela também é dona de atitudes discutíveis. Pois toda heroina/heroi é composta de contradições e é justamente isso que os humaniza. Nesse ponto o texto coloca os personagens no arquétipo bom/ruim. Desenvolver o tema, seria uma forma de “calar a boca” de muito liberal frustrado que insiste em dizer que escravidão é tudo a mesma coisa e que nós negros também castigamos nosso próprio povo...

E a cena do sapateado onde a batalha de Nzinga vs os Muzundu é mostrada continua impressionante e o ponto chave do espetáculo. Onde elenco se entrega por inteiro. As frases de efeito soltas por Nzinga e a movimentação do elenco... não tem como não se impressionar. Com certeza uma das soluções mais bem feitas do teatro baiano atual. E no tempo onde as soluções dos diretores são resumidas a projeções em telões, ver um teatro analogicamente criativo é um alivio!

Vale a pena ver Nzinga reinar! Junto a ela, reina o público pois aprende, compartilha sentimentos, vê a luta de si mostrada por um outro parecido nos palcos. Vê e sonha! Nzinga tem fome, mas a cada espetáculo nos dá muito que comer!

Power de Courtney Kemp Agboh

Se tem uma coisa que 50 Cent gosta de falar é sobre poder. Seus filmes, sua música, falam muito sobre este assunto. Nada de muito profundo. O rap do cantor não é do tipo que vai fazer o público transgredir. É fútil, esnobe, violento e faz sucesso! Não estranho nada o fato do assunto principal de uma série produzida por ele ser o poder a qualquer custo. E o produto final é bom.

Mas o trunfo da série não está no rapper, que faz um personagem na trama, mas está longe de pertencer ao núcleo principal. A forma como a roteirista Courtney Kemp Agboh conduz a história é que faz toda a diferença. Kemp pega elementos clichês e conduz isso num ritmo totalmente sedutor. O roteiro não mostra reviravoltas espetaculares, mas entrega informações que pouco a pouco vão conduzindo o espectador a perceber relações chaves na história.

Em Power, Omari Hardwick, vive o bem sucedido empresário James St Patrick, dono de uma das melhores boates da cidade de New York. Bonito, rico, elegante, chefe de uma família bem estruturada, James mantém por baixo dos panos outra vida. Uma carreira, também bem sucedida, no tráfico de drogas. Neste novo mundo ele é o traficante Ghost. Um negócio serve para acobertar o outro. Mas James, logo no começo da série, já demonstra sinais que para ele a carreira de traficante precisa chegar ao fim.

A cada capítulo vemos a tentativa de James se afastar do mundo do tráfico, que se intensifica com a chegada de um antigo amor, a latina Ângela. Ele não sabe, mas esse amor que chega (E claro, começam um caso! Rs) é na verdade agente da C.I.A e investiga uma organização de traficantes que age na cidade de New York controlando várias frentes do crime...

Ou seja, a velha história dos amantes que pertencem a mundos diferentes, não poderiam estar juntos, tudo pode acabar da pior forma possível, mas seguem firme e forte. A formula de manter essa historia aberta ao público desde o começo, instiga o espectador de ver o que acontecerá quando os dois souberem um do mundo do outro...

Mas não se engane com o romance... Ninguém, eu disse, ninguém presta nessa série. Brancos, negros, mulheres, homens, héteros, gays, ninguém vale nada e muitos são do pior escalão possível de periculosidade. Aliás, me surpreendi quando o pior de todos é um homem gay, efeminado, que é levado a sério e todo mundo se caga quando fala o nome dele...

Nature Noughton, bela interpretação e o
ator principal da série Omari Hardwick

Além do roteiro, que apesar de batido é bem conduzido, o elenco é bom também. Omari foi feito para fazer o tipo de homem que por mais que a situação tenha saído do controle, mantém a pose direitinho. Sabe o tipo, atormentado bonitão? Pois é! Esse tipo de papel ele faz muito bem. 50 Cent vive uma variação de si mesmo. Mas quem se destaca realmente, são Nature Naughton, atriz que vive a esposa e mãe dos dois filhos de James e o amigo e sócio dele, encarnado pelo ator Joseph Sikora. Os dois encarnam os melhores diálogos, as melhores performances e a construção dos personagens deles é milimétrica e crescente. Muitos atores começam e terminam a primeira temporada da mesma forma, mas esses dois atores, conduzem tudo num arco muito bem feito.

Bom frisar também sobre as cenas de sexo da série. Sem grandes moralismos. No começo fiquei me perguntando se era um artifício para conseguir audiência (e sim era!), mas depois vendo a primeira temporada toda e o desenvolvimento dos personagens, as cenas realmente cabiam. É bom notar como James faz sexo com cada mulher. Como ele começa de forma extremamente bruta com a esposa e depois com a amante. Nos outros capítulos, ele está presente na cama de forma diferente com cada uma e a forma também como é filmada as cenas de sexo vai mudando capitulo a capitulo. Essas cenas também desaparecem, conforme a história fica mais concisa. E sim, todo mundo nu!

A primeira temporada de Power teve 8 episódios. Cada um com pouco mais de 50 minutos. Tem seus altos e baixos na trama. Mas a boa condução fez com que a série fosse renovada para a segunda temporada, onde terá dois episódios a mais que a primeira. Mas só em 2015. Gostei de saber da renovação, pois o final deixa brechas grandes de todos os personagens, além da promessa do crescimento do personagem feito pelo seu principal e mais famoso produtor...

O Complexo (?) e as Nega...

Não era pra ser essa avalanche, mas foi. A série O Sexo e as Nega de Miguel Falabella, passou, da noite pro dia, de um mero produto global escapista e com pouca atenção, à série do momento, com direito a campanha avassaladora da emissora. A culpa de quem foi? Nossa! Simples assim.

Tenho um histórico com Miguel bastante curioso. Era fã de seu trabalho. Mesmo! Ele esteve muito presente como galã em novelas de sucesso como A Viagem e “interpretando” Caco Antibes no humorístico Sai de Baixo, além do clássico global As Noivas de Copa Copacabana. Aos poucos, com o passar dos anos, ao lado da sua companheira de ofício (até então) Maria Carmem Barbosa, Miguel foi construído uma solida carreira como autor com obras significantes como Tv Pirata, Delegacia de Mulheres e Salsa e Merengue. Sempre no clima escrachado, sempre com personagens pitorescos.

Até que um dia, influenciado por este histórico absurdamente divertido, comprei um livro, reunião de peças suas e de Carmem, chamado Querido Mundo e Outras Peças. As peças são ótimas, destaque para a que leva o título da coletânea e a última Síndromes (pequena obra prima), mas lendo os textos, reparei que aqui e ali Miguel utilizava de pequenas mostras de humor preconceituoso. Não é nada grave, que gere uma denuncia, mas desanimei bastante. A Lua Me Disse, depois, só veio para comprometer mais ainda minha admiração... Novela com personagens negros que dava vontade de vomitar quando via!...

A partir de 2008, Miguel fica só nas autorias de seus trabalhos e encarna o que eu acho sua fase não muito boa. Negocio da China, A Vida Alheia, Aquele Beijo, não são lá essas coca cola toda! Até que veio Pé na Cova (mistura descarada de A Família Adams e A Sete Palmos) e um novo autor ressurgiu. Pé na jaca assumidamente e incrivelmente bom! Os personagens são tão bizarros e são ótimos.

Aí chegamos em O Sexo e as Nega, mais uma serie de Miguel no subúrbio, mas agora ele resolve inovar e colocar 4 heroínas negras e divulga referencia direta com Sex and The City. Cheirei problema desde o início. Miguel nunca foi um exemplo em se tratar de negritude, não por falta de discurso, o liberal ele tem, mas é justamente esse o problema, seu discurso é liberal frustrado e cai sempre em aspectos clichês. Seus personagens negros são subalternos. Não no aspecto social, pois ele coloca negros ascendentes e ricos, mas racialmente falando eles são diminutos.

E a partir que a Globo solta a sinopse da série, começa uma enchente de vídeos, fotos em redes sociais diversas de pessoas protestando uma série que nem começou... Por que? Por conta do histórico do autor, seu tratamento com personagens negros, a abordagem que dava a negritude (quando dava...). A origem dos protestos era justamente ELE, não a série em si, pois ninguém tinha visto nada ué...

Começou então uma guerra. A então série desacreditada pela própria emissora, passou a ser um “carro chefe”, em uma esperta campanha de marketing feita para virar de cabeça pra baixo a imagem de um Miguel racista e coloca-lo como homem bom, melhor branco bom. A partir daí veio o clichê... Ele com carta aberta no Facebook dando uma de branco bom, ou Princesa Isabel, você escolhe. Gente da classe artística defendendo ele, negros da classe artística defendendo ele como se ele fosse uma Dona Benta moderna, sabe?! Aquela que dá emprego à pretinha, mas mantém a tal preta no “lugar dela”... Encheção de linguiça em programas da Globo dando ênfase a série e fazendo do protesto uma besteira sem limites...

Nisso, os pretos, antes todos unidos contra o racismo começaram a se dividir, brigando ou defendendo o tal do Miguellito. Nos textos, nos dizeres, palavras como CALMA, COMPLEXO, ou expressões como TUDO É RACISMO, ESSE POVO COMPLEXADO estavam lá presentes. O problema é nosso. As nega do seriado tem orgulho da sua negritude. Colocam o cabelo pra cima, sensualizam, são felizes morando na favela (ops, comunidade...), tem orgulho disso e você que não concorda, não concorda pois é complexada (o). o problema sempre é nosso, o passado de Miguel não conta e a tentativa dele se auto promover como homem bom foi engolida por muitos.

E aí a série estreia. Tarde da noite. Muita expectativa. Será que o produto era racista, ou íamos tomar na cara e a série seria um acontecimento na nova safra de séries globais?... O que se viu foi mais do mesmo:

1)      É sério que a tal comunidade começou daquela forma?... Historicamente é duvidoso que uma favela carioca, no início do século XX, foi construída por pessoas brancas...

2)      Todos os personagens são subalternos? É serio? Todos????? Brancos e negros não escapam do “favelismo” global...

3)      Soraia, a do black vermelho, é cozinheira. Usa aquele cabelo black e os patrões não falam NADA? Kkkkkkk Aí pecou pelo excesso. Rs Todo mundo sabe que negros que estão nesse tipo de emprego são levados a cortarem/alisarem os cabelos por desejos dos patrões ou para não “assustar” os clientes. Miguel quer ser politicamente correto, mas perdeu a oportunidade de falar sobre isso na tv... Mas aí é esperar demais...

4)      Mais cedo no Bahia Meio Dia, Miguel foi entrevistado pelo jornalista Jonhy Torres e disse que a série recebeu criticas de gente que queria as negras com empregos nobres. E que ele não fez isso, pois seria chato abordar esse tipo de coisa. Então Scandal é chato? Um Maluco no Pedaço é chato? Elas E Eu, é chato? Noah’s Arc é chato? Hum...

5)      Personagens favelados sem grau de instrução DE NOVO? Mais uma vez, na tv brasileira, preto não tem grau de instrução superior. E acredite, na favela, os pretinhos e as pretinhas são universitários, não só trabalham pra comprar lata velha...

6)      É serio que na comunidade todo mundo fica com todo mundo? Uma das frases ditas por uma das personagens em pleno metrô. Tipo, todo mundo se pega e você tem que fazer a fila andar Kkkkkkkkk... E aquele discurso de Miguel de falar sobre a sexualização do povo negro, fica nisso aí? Hum...

7)      Se é realmente inspirado em Sex And The City (que eu gostava e vi TODAS as temporadas)... Onde estão as cenas de sexo de cair o queixo? Onde está o feminismo fútil característica da série? Onde está o corpo masculino evidenciado como mero objeto sexual para o feminino?

8)      Ainda sobre Sex And The City... a série inspiração não tinha lugar pra homem. Eram protagonistas femininas, elas narravam TUDO, elas comandavam cada pedaço da série. Em O Sexo e as Nega os homens são o centro das atenções. Não por acaso um dos caras fala: no fundo elas querem homem... Série de protagonismo feminino onde os homens comandam... Hum tá rs!

9)      O texto me surpreendeu... Pela primeira vez vejo um trabalho de Miguel que não é engraçado. E a série foi vendida como divertida, mas é tudo menos isso. A única coisa boa é (PASMÉM) a gaúcha!!!!!!

No final de tanta polemica, vi uma série com piloto fraco. Miguel é bom (sim acho ele realmente bom) despirocando no texto, pirando mesmo, não sendo politicamente correto. Se você curtiu produtos negros globais como O Paí Ó se jogue, essa série foi feita pra você! Do contrário, assine uma Sky, Net, Netflix e se divirta com personagens negros estadunidenses. Por que os daqui... Nada de representação!!!!!!!!!

Agora é aguardar os próximos capítulos, com Miguel correndo atrás para dar um jeito no roteiro e finalizar a primeira temporada da série com o mínimo de dignidade, para ele é claro, se valendo de discursos clichês e evidenciando novamente uma negritude subalterna. Coisa que ele sabe bem fazer...

UMA LIÇÃO DE VIDA. Trailer

Filmes que propagam a "pedagogia do herói" não são do tipo que adoro propagar, mas esse parece ser diferente. Explico, filmes da pedagogia do herói, são aqueles filmes em que o professor encontra turma desajustada, geralmente em bairros pobres, todos grandes delinquentes. Depois de um grande conflito inicial, os alunos se rendem ao seu método revolucionário, acabam se ajustando e tomando jeito. Ou seja, o professor é um SUPER herói. Fazem parte desse "gênero", Mentes Perigosas, Mudança de Hábito 2, Ao Mestre Com Carinho... Sim, você já viu o mesmo filme um monte de vez...

Esse Uma Lição de Vida vai por um caminho diferente. Me parece, pelo trailer, que o ponto de vista principal é do aluno e não da professora...

Fica a dica! Vou ver. Espero que não seja igual aos outros...

O filme é baseado em história real, por isso acredito no potencial dele... Um senhor castigado nos tempos de segregação racial resolve voltar aos estudos, incitando a ira de muitas cabeças conservadoras... A produção é do diretor de Mandela - O Caminho Para  Liberdade, com Idris Elba. Veja o trailer.

Entrevista: Deo Cardoso. Um Guerreiro Cineasta!!!!!! Parte 1

Deo Cardoso é um homem de talento ímpar. Conheci seu trabalho através do You Tube e me emocionei bastante com o primeiro filme dele que vi; “Pode Me Chamar de Nadi” uma história de superação contada de forma singela. Emoção que te faz sorrir, sabe? Resolvi, na cara de pau (quem me conhece sabe que tenho e me orgulho disso!) pedir uma entrevista a ele ao meu humilde blog. E ele não deu uma entrevista... Mas sim uma aula sobre cinema!!! No meio da agenda corrida, por conta da preparação do seu próximo filme, ele arrumou um tempinho e respondeu a todas minhas perguntas. Não cortei nada, impossível cortar. Para que cortar? A gente já é silenciado demais... Então leia abaixo o que este cineasta de 37 anos (nem parece...), nascido em Madison EUA e que vive pertinho da gente em Fortaleza, tem a dizer sobre cinema, negritude, cinema, militância, rap e... cinema, é claro!

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Existe uma nova leva de cineastas no Brasil, que falam de suas mazelas sociais. Uma parcela desses profissionais tem coragem de falar sobre racismo abertamente. Como você escolheu o discurso contra a discriminação para atuar junto a seu trabalho? Como é a “forma Deo Cardoso” de tratar o racismo no cinema?

Não considero bem uma escolha. Não acho que “escolhi” o que melhor me convém pra se falar da questão racial, e sim algo que é a nossa condição e vivência. Algo em primeira pessoa, entende? Mas entendo porque você usou esse verbo. Essa escolha, por assim dizer, se deu por uma questão existencial e política mesmo. Essa coisa de ter nascido nos Estados Unidos e de ter passado a infância entre o contexto de orgulho negro norte-americano e o “racismo cordial” brasileiro gerou em mim uma série de questionamentos desde que eu era pivete.

Eu perguntava pros meus pais (brasileiros) o porquê que, no Brasil, diziam que eu era moreno e nos Estados Unidos diziam que eu era “black”? Daí comecei a questionar porque que as pessoas mais escuras eram as mais humildes e injustiçadas, e que mais sofriam condições sociais desfavoráveis. Desde cedo percebi que muitas coisas eram mais difíceis pra pessoas da minha cor e mais escuras que eu, tanto lá nos Estados Unidos quanto aqui no Brasil. E assim, essa formação social e racial mais crítica foi se desenvolvendo na minha mente, e foi se refletindo nas minhas primeiras produções artísticas (contos, poemas e desenhos em quadrinhos). E isso foi ficando, ficando, e virou uma missão mesmo. Por isso não foi bem uma escolha, faz parte da minha identidade e formação pessoal. 

Existe uma frase do grande cineasta baiano Glauber Rocha que diz: “a função do artista é violentar”. Frase um tanto pesada, mas acho que o que ele realmente queria dizer é que a função do artista é trazer à tona questões que nos afligem enquanto seres humanos, no intuito de provocar debates e evoluirmos enquanto seres dotados de consciência. Portanto, para a minha arte, esse discurso da discriminação e do preconceito é necessário pelo potencial emancipatório que o tema traz. A intolerância ao “diferente” (etnia, religião, classe, região, gênero, etc.) é um mal da nossa civilização e isso é histórico. Mas acredito que uma arte que trate abertamente dessas intolerâncias, de uma forma sublime e poética, pode ser tão ou mais “violenta” que um filme de confronto aberto e direto, exatamente pelo poder transformador (e libertador) que uma abordagem simples e poética tem.

Então, não tenho uma forma engessada de trabalhar a questão do racismo em meus filmes. Até aqui, optei por uma abordagem que busque tocar o sentimento humanista das pessoas. São filmes-crônicas. Filmes que abordem nossos dilemas, ora com ternura (como no caso de “Pode Me Chamar de Nadí”), ora com humor e sarcasmo (como no caso de “Cappuccino com Canela”). Mas estou com meu primeiro roteiro de longa-metragem pronto há 2 anos, já orçado, louco pra produzi-lo imediatamente, e esse filme é um filme de confronto político mesmo, de um discurso forte contra o que estão fazendo com a juventude negra brasileira. Tem hora que é preciso desabafar pra ver se alguns absurdos que as pessoas naturalizam sejam devidamente debatidos e transformados. Há dois anos tento fazer esse filme, mas é difícil conseguir apoio. Não tenho muita habilidade política de captar recursos, então, tô vendo aí como faço. Só sei que preciso realizar esse filme urgente. 

Deo no set. do curta Pode Me Chamar de Nadi

Vi dois curtas seus no You Tube, veiculo bastante usado por cineastas independentes para divulgação de seu trabalho. A meu ver, possibilita que um número maior de pessoas veja seus filmes, sem a barreira da exibição em salas de cinema pelo país.  Quando faz seus filmes, já se preocupa com essa nova ferramenta? Fazer enquadramentos, cortes, cenas a partir da perspectiva de alguém que vai ver seu trabalho pela net?

Sim, sim. Já realizo meus filmes com isso na mente. Criar tendo o “youtube” ou o “vimeo” na mente altera um pouco a estética da coisa. Imagino alguém assistindo um filme pelo celular, dentro do ônibus, por exemplo. Então, não posso demorar muito num plano. As sequências precisam ser ritmadas. Diálogos precisos. Tudo muito musicado, caprichado, até porque nosso povo tá sempre em movimento, atrás de um emprego, indo pra aula, zuando com os colegas, etc. Tem que ser malandro no sentido positivo da palavra. Ter jogo de cintura, sambar com a situação. Penso em tudo isso sim. Já outros elementos audiovisuais precisam do mesmo cuidado: uma boa composição, uma boa atuação (mesmo eu adorando trabalhar com atores não profissionais, o que, a meu ver, proporciona uma atuação ainda melhor, mais naturalista e documental).

E como trabalho uma temática “guetificada”, não entro muito em festivais. Parece que existe uma cota pra filmes de determinadas temáticas. Parece que a lógica de alguns desses festivais de maior porte é uma porcentagem pra filmes gays, outra pra filmes negros, outra pra filmes feministas, etc. Portanto, gosto da independência de fazer um filme e divulga-lo via youtube. Quando lancei “Cappuccino com Canela” no início de 2014, por exemplo, fiz uma tímida divulgação pelo facebook e, em uma tarde, o filme conseguiu mais de 400 visualizações. Pra mim tá ótimo, pois é como se em uma tarde, uma sala de cinema lotada assistisse o curta.

Em Pode Me Chamar de Nadi, a discriminação racial sofrida pela personagem principal é algo bastante brasileiro. Cotidiana, mas “invisível”, não é direta, pois é feita para silenciar, como a Nadi muitas vezes emudece. A forma como você introduz o tema para a plateia é extremamente sutil... Como foi o processo de construção do roteiro e a introdução do tema na historia?

Até hoje minhas histórias sempre partem de sentimentos que vivencio quando estou inserido em alguma situação real. Lembro-me de ter escrito, com muita raiva, o primeiro tratamento do roteiro de “Pode me Chamar de Nadí” a 5 anos atrás. A Nadí não é somente uma personagem. Ela existe e interpretou a si mesma no filme. À época do filme, Nadí morava na mesma rua que eu e era muito próxima de mim e da minha família. Por ter uma pele bem escura, o racismo que ela sofria era diário e latente.

Construí o roteiro após ter sido testemunha ocular de uma situação em que a Nadí, ao voltar do colégio com seus colegas e irmãos, sofria piadinhas racistas referentes a seu cabelo. Piadinhas que, infelizmente, são tão comuns no ambiente escolar. E Nadí, com sua personalidade forte, me deu um abraço e disse que não aguentava mais aquilo. Ela tinha 9 anos à época. Foi quando eu disse a ela que os meninos iriam se surpreender quando ela virasse uma linda atriz de cinema. Então, escrevi o roteiro movido por dois sentimentos latentes: uma profunda raiva (em imaginar os traumas psicológicos provocados pelo racismo, que uma menina negra precisa enfrentar desde cedo) e por um sentimento de enorme carinho que aprendi a ter pela Nadí, que tem naturalmente o carisma, a simpatia e a personalidade que a Nadí do filme tem. Ali ela está sendo ela. O lado agressivo e o lado doce.

Assim que eu tive uma versão pronta do roteiro, antes mesmo de ser contemplado no edital da secretaria de cultura do estado do Ceará aquele ano, eu mostrei a história pra ela. Mas eu não tinha a dimensão do que estaria por vir. Ela muito menos. Então tudo era muito vago. Não sabíamos se o filme iria ser feito. Não tínhamos essa garantia. Eu já tava pensando em fazer como eu faço hoje: filmes na raça, sem grana com os amigos e amigas. Mas quando o filme foi contemplado pelo edital, pudemos fazer um filme extremamente profissional e acho que conseguimos passar aquele sentimento de ternura e magia de uma pessoa que, pelo menos naquele recorte dramático, superou o racismo graças ao apoio de outra pessoa negra, mostrando que Steve Biko estava certo: Estamos por nossa própria conta. Somos nossa própria força e superação.

Momento de descontração em meio aos trabalhos

Em sua opinião, qual a cara que o cinema brasileiro atual, quer passar sobre o Brasil para o seu público?

O cinema brasileiro atual é muito diversificado, criativo e extremamente bem elaborado. Certamente não estamos em uma fase ingênua. Tanto o cineasta que está ali à margem do mercado, quanto o que está produzindo dentro do mercado nacional sabem que o cinema não é mais engessado em si, e que dialoga com as novas mídias e novos formatos.

Apesar da tradição clássica e ficcional do cinema ainda dominar o mercado, o mainstream, como falam (a corrente principal e predominante que flerta com as massas), temos também um cinema que busca refletir a questão da imagem, de transitar entre gêneros e formatos. Um cinema que se pensa inserido no contexto de um país emergente que somos. Então, num recorte de cinema ficcional, eu só posso falar de que cara o cinema brasileiro atual procura passar se eu analisar as intenções estéticas e mercadológicas de cada segmento. Só posso falar das impressões que eu tenho, que podem estar equivocadas, claro. Mas a impressão que tenho é a de que, pelo menos no aspecto mercadológico, o cinema brasileiro atual, em seu obvio objetivo de ganhar terreno dentre as produções hegemônicas americanas, acaba realizando um cinema de extrema qualidade técnica, mas buscando reproduzir o que o cinema hegemônico hollywoodiano já faz, principalmente no campo da comédia. Então, o público de cinema brasileiro acaba condenado a consumir filmes com o padrão de qualidade da maior e mais poderosa emissora de TV do Brasil, que entra com seu poder publicitário massivo, reproduzindo pro cinema um padrão televisivo, sem maiores riscos comerciais.

Acho que, salvo algumas exceções, o cinema mainstream brasileiro está numa fase de autoafirmação, ou seja, busca mostrar a cara de sua qualidade técnica, ostentando roteiros bem amarrados, porém esvaziado de temas que busquem dar um sacode nas pessoas. É claro que falo isso num sentido geral, pois vez por outra esse cinema mais “comercial”, por assim dizer, surge dando um sopapo no senso comum, em filmes como Tropa de Elite (I e II), Cidade de Deus, Uma Onda no Ar, etc. No outro polo, temos uma pulsante produção independente país afora. Coletivos de cineastas/colaboradores que pululam em festivais nacionais e internacionais, representando muito bem seus pensamentos críticos/estéticos, sem ter sua estrutura dramática subordinada e engessada a uma fórmula de mercado. Aí destaco a produção do realizador da Ceilândia Adirley Queiroz e seu maravilhoso longa Branco Sai, Preto Fica, que quebra essa linearidade narrativa trazendo um cinema enérgico e que transita entre ficção e documentário, que também dialoga com o hip-hop de seu bairro, Ceilândia, Distrito Federal.

Mas vou te confessar que o cinema que mais me agrada no momento é a recente safra pernambucana. Um cinema que eu coloco no meio termo entre o cinema estritamente comercial, e o cinema estritamente de experimentação de linguagem. O cinema pernambucano me fascina por estar sempre em busca de uma independência narrativa. Essa coisa fervente (ou FREVENTE, relativo ao frevo) que a tradição artístico-cultural pernambucana traz ao longo da história está explicitamente impresso nos filmes daquele estado. Gosto demais dos filmes de Claudio Assis, (em especial Febre do Rato), Lírio Ferreira (Baile Perfumado), Paulo Caldas (Deserto Feliz), Hilton Lacerda (tatuagem), etc.

É a “escola” de cinema nacional contemporânea que eu mais me identifico no momento. Embora exista muita coisa que eu precise conhecer mais. Confesso que nos últimos dois anos, foquei mais em produzir e ensinar do que em acompanhar as novidades e lançamentos do nosso cinema independente. 

Entrevista: Deo Cardoso: Um Guerreiro Cineasta!!!!!! Parte 2...

Poster/Convite do curta Pode Me Chamar de Nadi

Você estudou e começou a fazer seus curtas nos EUA. The Letter, um de seus primeiros trabalhos, já tratava da questão racial. Qual a diferença em tratar de racismo nos EUA e aqui no Brasil?

The Letter foi o primeiro filme que escrevi, produzi e dirigi na vida. Fiz esse filme nos Estados Unidos. Um filme em preto e branco, em película 16mm, realizado no clima da invasão americana ao Iraque. Um curta de 7 minutos, numa época que eu estava sendo apresentado à prática do cinema. Então, assim como na vida, quem tá começando acaba meio que imitando o estilo de alguém que você admira. É assim em todos os aspectos da vida. Você não é maduro o suficiente pra ‘caminhar com as próprias pernas’ e busca referências. A minha, à época, estando nos Estados Unidos, era buscar uma brasilidade na maneira de fazer cinema. 


E bebi na fonte do cinema-novo, principalmente de Glauber Rocha. Me senti na obrigação de apresentar o Brasil aos americanos através do cinema novo. Então fiz um filme de câmera na mão, no meio da rua, passando a centímetros do rosto do protagonista, um soldado negro americano que se despedia da esposa (também negra) pra ser aquartelado, rumo ao Iraque. Era um filme sem diálogo, que buscava refletir tanto aquele absurdo da guerra, quanto do dilema dos negros em terem que ir à uma guerra de interesses brancos. Um jazz audiovisual, com colagens em áudio da voz de George Bush gritando repetidamente “nós vamos vencer o terror, a America vai prevalecer”, como um remix de Rap, enquanto a câmera avançava no rosto do protagonista enquanto este caminhava na rua.

O professor demorou muito a entender minha proposta. Era tudo muito novo pra ele e ele sabia muito pouco de cinema novo. O dialogo com os Afro-americanos foi imediato. O filme gerou muito debate entre negros e brancos. Muitos deles acalorados, e assim fiquei conhecido ali no mestrado como um cara que gostava de tocar o dedo na ferida. Fui convidado a fazer parte do Hip-Hop Congress, uma organização afro-americana, de negros para negros, que realizava projetos socioculturais em comunidades negras através do hip-hop e da cultura urbana. Ali aprendi muito e foi a época que eu mais militei na causa negra mesmo. Tínhamos palestras com pessoas que fizeram parte dos Panteras Negras, e de outros movimentos de militância negra, enfim. Comecei a fazer dessa causa a minha missão, sempre procurando também ampliar o debate para a opressão não só contra negros, mas contra outros povos historicamente oprimidos também, legado deixado pela política dos Panteras Negras. 

Voltando ao Brasil, busquei militar no hip-hop também. Minhas experiências no movimento negro brasileiro não foi tão militante porque aqui eu precisava correr atrás de estudos e meios de sobrevivência. Percebi também que eu não levo jeito pra militância intensa e politizada nas ruas, e procurei compensar essa minha falta de habilidade fazendo uma militância mais artística, através do meu cinema.

Então, quando faço um filme militante nos Estados Unidos, a reação é um pouco de surpresa e encantamento, por eu ser um Afro-Brasileiro-Americano. Ao ver uma obra, eles procuram compreender a legitimidade daquilo, de quem fez a obra. Se o realizador fez por estar inserido no contexto, ou se o realizador é um outsider, como eles dizem, ou seja, se caiu de paraquedas e tá tentando se aproveitar de um tema que não é de seu domínio. Ao verem meus filmes, a discussão do tema nas mostras era de igual pra igual. Analisado num contexto geral. E sempre resvalava pra questão de como era o contexto racial brasileiro.

Aqui no Brasil, no circulo de festivais, das poucas vezes que participei, percebi muito tapinha nas costas de um público geral, e pouco debate. Já quando nosso povo está na plateia, percebo mais o interesse pelo debate e é justamente isso que me alegra. O debate é parte essencial da evolução intelectual e percebo que nós, brasileiros, temos muita dificuldade em debater sem levar pro lado pessoal. Atribuo isso à ditadura militar, e às opressões de nossa história, que nos tirou a prática do debate e da divergência de ideias.

O que você acha do cinema no Brasil hoje feito como se fosse televisão? Onde o filme de hoje é o novo Especial de Fim de Ano, ou da série de sucesso transformada em filme com “simples” toque de edição?

Como eu disse anteriormente, esse cinema contaminado pela estética televisiva é aquele cinema que prefere não se arriscar pra não perder público. Há quem discorde profundamente dessa teoria. Daniel Filho, um dos poderosos autores da Globo, afirmou uma vez que não existe uma estética televisiva e outra cinematográfica. Tudo se contamina. Concordo em partes com ele, por que de fato, se você for ver um filme como “De Pernas pro Ar”, aquilo parece uma extensão do que é feito na TV, uma produção tecnicamente conservadora: uma luz padronizada, uma abordagem cênica que começa do Plano Geral ao Closeup, enfim, uma produção que não se arrisca e que proporciona essa impressão de que aquilo que é cinema de verdade. Deixa o público mal-acostumado, viciado a esse tipo de produção. E dá-lhe filmes que viram seriados, festivais nacionais de madrugada que quase sempre mostram filmes da Globofilmes, etc. Ainda bem que a internet chegou pra dar uma sacudida nisso.

Recentemente, Ângela Davis, esteve no Brasil no Festival Latinidades Afro Latinas 2014 e fez um alerta criticando a presença de negros no poder: "Não significa somente trazer pessoas negras para a esfera do poder, mas garantir que essas pessoas vão romper com os espaços de poder e não simplesmente se encaixar nesses espaços" afirmou. Quem comanda MESMO um filme é a tríade: roteirista – produtor (a) – diretor (a). Falar sobre racismo em meios de produção hoje é tranquilo ou ainda significa tema tabu entre aqueles que comandam uma produção?

Angela Davis é uma diva. E mais uma vez nossa diva-guerreira está certíssima. Trata-se de um tema extremamente tabu, também dentro do ambiente cinematográfico e de produção audiovisual brasileira. Por exemplo, em 2011 fiz assistência de direção do longa-metragem “As Mães de Chico Xavier”, estrelado por Caio Blat, Vanessa Gerbeli e Herson Capri, e dirigido pelos grandes amigos Glauber Filho e Halder Gomes.  No filme, em determinada cena improvisada, precisavam de um engraxate pra limpar o sapato do protagonista, já que o filme se passava nos anos 1980. Aí pessoas da produção escolheram um colega da equipe que era motorista. Tanta gente pra escolher, e escolheram justamente ele, que tinha a pele mais escura da equipe. E eu rapidamente levei minha insatisfação à assistente que tinha escolhido ele. Perguntei: “sei que toda e qualquer profissão honesta é digna, mas porquê, necessariamente, o engraxate tem que ser negro?” E houve o inicio de um pequeno celeuma.

Então, se você chegar num set de filmagens de uma equipe profissional de cinema no Brasil, você vai ver que as funções mais importantes, as de maior poder hierárquico, reflete a realidade socioeconômica, ou seja, quanto mais braçal o cargo, mais escuro é o profissional desse cargo. Agora vai falar sobre isso pra você ver o desconforto que você causa! Dão logo a entender que o racismo está nos olhos de quem vê. É uma questão muito preocupante. O fato é que temos muito pouco autores(as)-cineastas negros e negras. E quando falo de autores(as)-cineastas, me refiro a roteiristas, produtores, realizadores e diretores de fotografia – posições de maior destaque.

Cappuccino Com Canela, outro curta de Deo Cardoso, também disponível no You Tube

Por que o cinema feito no Brasil não se arrisca tanto em gêneros como ficção cientifica, terror, fantasia... O que nos falta para avançar nesse quesito? Dinheiro? Material? Público?...

Acontece que, como temos uma tradição polarizada entre a reflexão social (influenciada pelo neo-realismo italiano e consagrado pelo pessoal do cinema novo) e uma tradição cômica dentro de um padrão industrial (que vem desde os tempos da chanchada passando pela pornochanchada). Nunca tivemos uma estrutura econômica e industrial que nos permitisse, enquanto cinematografia, investir em certos estilos, como ação e aventura, por exemplo.

É como se a gente fosse fazer filmes de gênero pra competir contra quem já é mestre nessa técnica, certo cinema pirotécnico americano que ostenta efeitos especiais por um lado e que, por outro, apresenta uma narrativa extremamente limitada e engessada em sua estrutura. 

Então, nossa tradição cinematográfica meio que não nos permite competir com Hollywood. Nosso cinema tem uma tradição mais voltada pra Europa e, por conseguinte, à nossa própria formação cinematográfica latino-americana. Aquela coisa combativa, de gritar ao mundo que somos inovadores em nossa própria maneira de se contar uma história, visando formação de plateia ou mesmo a um publico cativo. Nossa tradição comercial é o melodrama, desde os tempos dos estúdios da Cinédia (de Adhemar Gonzaga e Humberto Mauro, nos anos 1930), que flertava com os melodramas das radionovelas, e também as comédias populares e carnavalescas, frutos de nossa rica tradição cômica, que remonta a antes mesmo da chanchada (gênero cinematográfico genuinamente brasileiro, desenvolvido nos estúdios da Vera Cruz e da Atlantida na década de 1940/50). Nosso cinema reflete, ri ou avacalha a nossa própria condição social e política.

Somente nas experiências tresloucadas do cinema marginal brasileiro, arriscávamos a fazer filmes de gênero assumidamente toscos, muito mais pra tirar uma onda do que propriamente um filme de gênero (o terror de Zé do Caixão, uma ficção  científica de Carlos Manga, etc). Ao longo da historia do cinema brasileiro, já se fez inúmeros filmes de ficção cientifica, por exemplo, mas sempre nesse viés cômico.

No curta Sonhos Interrompidos você dá um depoimento em que cita “outras formas de solucionar problemas” contra a violência. O cinema, ou a arte em geral, poderia ser uma das fontes de solução?

Sem dúvida. O cinema, a arte em geral, faz parte de um capital-cultural importantíssimo pro nosso povo. Temos que aprender a gerir isso. A criar nossos espaços, nossos festivais, nossos circuitos de dança, de teatro, de cinema, espetáculos em geral. Temos que nos consumir mais nesse sentido. Tanto como criadores quanto como gerentes disso tudo. Pensar, criar, consumir.

Em “Sonhos Interrompidos”, temos o retorno de Nadí, num tom mais documental. Foi um filme encomendado pelos membros de um atuante grupo negro militante, aqui de Fortaleza, chamado “Consciência Negra em Movimento”. Um grupo de pretos e pretas atuantes e inteligentes, que estão firmes e fortes na luta contra o racismo. Me procuraram e pensamos esse trabalho juntos, numa mesa de restaurante. Chamamos algumas pessoas e eu escrevi e dirigi aquilo que o grupo todo idealizou. Só que a coisa tava pesada demais na edição, e optei por uma edição mais positiva da coisa, ao invés do tom derrotista que estava.

Nem fiz muita publicação desse trabalho porque o vídeo infelizmente gerou uma polêmica dentro do grupo. Até hoje não sei se ficaram insatisfeitos com a edição do vídeo em si ou pelo fato de que eu, desavisado, publiquei o vídeo no youtube, sem saber que eu precisava pedir permissão ao grupo. Pode ter sido um misto dos dois. Gerou certo mal-estar, mas foi coisa de momento.  Tô de boa. Tratam-se de pessoas articuladas e bacanas.  A vida é assim mesmo. Nem sempre agradamos a todo mundo. Divergências são comuns em qualquer grupo ou família. Por mais que hajam divergências, o que importa é o respeito. O mais importante é que a mensagem chegue até as pessoas. Nossa produção já é tão tímida ainda, né?! A produção de cinema negro (documentários, curtas, longas, etc) já é tão escassa, tão complicada, que eu acho que quanto mais for publicado e exibido, melhor. Precisamos de mais produção de nossos filmes, romances, livros acadêmicos, espetáculos, poemas... mais debates, mais opiniões, mais pontos de vista.  Precisamos criar mais espaço pra nós mesmos(as), né não?!

Curioso o movimento que alguns cineastas tem com a música e a influencia dela em seus trabalhos. Wood Allen, Kubrick, Scorsese, Sofia Copolla, Scheffer, Spike Lee são alguns que trabalham a partir da musica. Em minhas pesquisas, vi que você tem uma relação muito próxima ao rap. Qual a influencia que ele exerce em seu cinema?

Eu e o rap somos “amigos” de longa data. Tenho 37 anos, mais ou menos a faixa etária do hip-hop. Nasci nos Estados Unidos em 1976, porém, filho de pais nordestinos. Nos anos 1980, quando eu vivia em Raleigh, Carolina do Norte, a música que eu ouvia em casa era Luiz Gonzaga, Gilberto Gil, Chico Buarque, etc. Na rua e nos ônibus escolares, o que eu ouvia era Public-Enemy, Fat Boys, Run DMC, 2 Live Crew, De La Soul, Michael Jackson, etc. Então isso tudo fez muito a minha cabeça.

A gente respirava rap, em sua fase mais contestadora. Os caras passavam a ideia certa. Noções de luta, de arte engajada. Aprendi a desenhar por causa dos grafites que eu admirava. Escrevia letras de rap em forma de poemas, e até hoje sonho em gravar um rap. Nem que seja por desencargo de consciência, porque talento eu não tenho NENHUM! hahaha.

Então, procuro estruturar meus filmes de forma ritmada como um rap audiovisual, seja cadenciado, seja acelerado, mas sem necessariamente usar rap como trilha sonora. Posso estar enganado, mas que eu me lembre, dos mais de 4 filmes/curtas que realizei, nunca usei trilha de rap em nenhum, a não ser nos créditos finais de Pode Me Chamar de Nadí, que usei aquela musica linda do Rappin Hood “Us Guerreiro”, que fala muito da nossa condição enquanto afro-brasileiros. 

Então, o dialogo entre a forma como faço filmes e o rap está lá, “vivão e vivendo”, como se diz. E foi através do rap que cheguei a gostar de jazz, e de soul. Mas não só o rap faz parte dessa minha salada de influências, o samba e o afoxé são ritmos que me encantam demais também.

Brincando nos Campos do Senhor, Pixote e Cidade de Deus ficaram famosos no mundo inteiro por usarem atores amadores ou não atores. Vi que você gosta também de usar esse tipo de ferramenta. Quais são os prós e os contras de usar essa técnica tão adotada por cineastas?

No esquema de produção de filmes que eu adoto, vejo muito mais prós do que contras. Explico: meu esquema de produção é urgente. Filmes-crônicas. O realismo é latente. O naturalismo é essencial.  A influencia do cinema documentário é viva demais nos filmes que faço. E o cinema, ao contrario do teatro, tem esse poder de absorver e dar significado ao mínimo movimento de uma pessoa. Um franzido de testa gera um significado. Um olhar torto, outro significado. Se o ator ta nervoso, por mais que ele dissimule, a câmera vai captar.

Não gosto de caras e bocas e nem de caricaturas.  Gosto da tensão que um ator ou atriz amador(a) traz consigo diante de determinada situação. Por isso que eu geralmente ensaio, faço exercícios cênicos, sempre baseado em improvisos, pra não mecanizar o ator ou atriz. Esse ator ou atriz me ajuda a construir a personagem. Cria junto comigo. A relação é ótima. Uso exercícios do grande dramaturgo Augusto Boal e da teatróloga americana Viola Spolin. Pessoas que extraiam a maior naturalidade dos atores e atrizes sem técnica. 

Claro que existem contras. Gente que trava na hora, essas coisas. Mas tudo é uma questão que precisa ser bem trabalhada nos ensaios. Até hoje não tive problemas maiores. Nunca trabalhei com atores profissionais famosos. Espero também trabalhar com atores e atrizes que admiro muito, como Lázaro Ramos, Neuza Borges (com quem tive o prazer de conviver em um trabalho), Antonio Pompeu, Cosme dos Santos, Sheron Menezes, Jonathan Haagensen... e um sonho especial de um dia trabalhar com Zezé Mota.

Pergunta final: Você se declara um cineasta ou um cineasta negro? E por quê...

Sou tímido, mas quando me perguntam como quero ser apresentado, sempre me declaro um cineasta negro. Pensa bem, já somos tão poucos né?! E nossas maninhas negras realizando filmes são tão poucas também, que acho extremamente importante essa declaração como afirmação mesmo, sabe. É como a resposta no censo do IBGE. É importantíssimo se declarar negro ou negra. É como se eu dissesse: nós existimos nesse meio. Nós existimos enquanto autores(as), criadores(as), doutores(as), engenheiros(as), etc. É importante pra dar visibilidade. Mais importante e fundamental ainda pra causar impacto e consciência politica e racial pra molecada.

Porque na verdade quando você se declara negro, ou negra, dependendo da ocasião, causa certo estranhamento, certo mal-estar. E isso acaba abrindo espaço para debate. E aí, quando você justifica e chama pra si a negritude, você está fomentando uma consciência de nossa própria condição, de orgulho de nossa herança africana, de um povo fundamental pra nossa identidade. Ao fazer isso, estamos invocando Lélia Gonzales, Stuart Hall, Carolina de Jesus, Bob Marley, James Baldwin, Frantz Fanon, Amilcar Cabral, etc.

O preconceito ainda é muito grande em nosso país. O racismo é muito grande. Apesar dos avanços, os negros ainda estão muito associados a empregos baixos, à favela, à subserviência, ao crime, ao esporte, ao exotismo, enfim, a atividades que não impliquem a produção intelectual. Se boa parte do nosso povo ainda se encontra em situação desfavorável, isso se dá por séculos de opressão pré e pós abolição. Somos um povo guerreiro, de lutas e conquistas. De dor e de dança. E essa afirmação de nossa negritude é nosso grito de libertação diário. Afinal, o sorriso no rosto de quem já chorou, consegue ser mais belo que um sorriso comum.